Vous avez capturé l'essence de la culture musicale underground et du mouvement contre la guerre du Vietnam dans les années 1960. Pourtant, vous avez déclaré n'avoir jamais été un fan. Qu'est-ce qui vous a poussé à photographier cette époque ?
Selon vous, comment la photographie peut-elle servir d'outil efficace pour commenter la société et capturer des moments culturels importants ?
Vous aimez l'interview d'Elliott ?
La photographie peut agir comme un catalyseur de la transformation personnelle. Elle offre une ouverture à la différence, permettant aux individus de choisir s’ils veulent adhérer aux émotions et aux perspectives transmises par les images. Elle n’impose pas le changement, mais offre la possibilité d’explorer de nouvelles façons d’être et de voir.
La photographie peut donc servir d’outil puissant de commentaire social et de documentation culturelle en capturant et en partageant les vibrations intérieures et les perspectives du photographe. Elle permet aux spectateurs de s’engager dans ces émotions, ces pensées et ces expériences, et d’être éventuellement inspirés pour voir le monde sous un angle différent.
« La photographie peut agir comme un catalyseur de la transformation personnelle. Elle offre une ouverture à la différence, permettant aux individus de choisir s’ils veulent adhérer aux émotions et aux perspectives transmises par les images. »
Comment avez-vous abordé la transmission de l'énergie des performances de musiciens, tels que Bob Dylan, Frank Zappa et The Band, dans vos photographies ?
Je n’y ai même pas pensé. Je n’ai pas eu à m’en approcher consciemment. Lorsque je prends des photos, je fais simplement ce que j’ai envie de faire. D’une certaine manière, c’est comme si je n’étais pas là. Cela soulève un point intéressant à approfondir. Lorsque je photographie, je suis mon instinct et je capture ce que je trouve visuellement attrayant. Je ne réfléchis pas trop. C’est l’une des raisons pour lesquelles je n’aimais pas les missions commerciales, car elles restreignaient souvent ma liberté créative. Mais lorsque je photographie de manière naturelle, je fais ce qui me semble juste.
Si vous êtes connecté à votre essence, à votre moi intérieur, vous êtes connecté à tout le reste du monde. L’idée que « nous ne faisons qu’un » est vraie. Nous sommes connectés mentalement et il existe également une connexion physique. C’est ainsi que les gens font l’expérience de la guérison énergétique ou de l’acupuncture, par exemple. Ainsi, sans le savoir consciemment, sans y penser activement, je me suis simplement dirigé vers le côté gauche de la scène à ce moment-là et j’ai pris une photo. Et il s’est avéré que cette décision intuitive aboutissait souvent à l’angle parfait pour prendre une bonne photo. Il n’y avait pas de raison particulière à cela, c’était tout simplement une bonne idée.
Comment votre lien personnel avec Janis Joplin a-t-il influencé la manière dont vous l'avez capturée à travers vos photographies ?
Je n’avais pas de lien personnel très profond avec Janis Joplin, mais nous avions une relation amicale. La première fois que je l’ai rencontrée, c’était en 1968 au Anderson Theater à New York, et c’est le premier concert que j’ai photographié. À l’époque, il était relativement facile d’aller dans les coulisses avec mes appareils photo, car il n’y avait pas beaucoup de photographes. Linda Eastman, qui épousera plus tard Paul McCartney, et moi-même étions les deux seuls photographes présents. À l’époque, il n’y avait pas de marché ni d’argent à gagner en prenant ces photos, qui n’étaient donc pas très recherchées par les photographes professionnels.
Notre relation était décontractée. Nous parlions de choses insignifiantes et ne nous engagions jamais dans des conversations philosophiques profondes. Une fois, Janis et son attachée de presse, Myra Friedman, sont venues dans mon appartement à New York pour regarder mes photos en vue de la couverture de son album Cosmic Blues. Bien qu’ils n’aient pas trouvé ce qu’ils cherchaient, nous avons passé un agréable moment ensemble. J’ai également voyagé avec Big Brother à Detroit et j’ai passé quelques nuits à l’hôtel. Tout au long de ces rencontres, nos échanges ont été confortables et détendus.
Pendant Woodstock, en août 1969, je me trouvais par hasard dans les coulisses où se trouvaient les artistes et j’ai rencontré Janis. Nous avons discuté, bavardé et pris quelques photos. Cependant, je n’ai pas cherché à capturer une image commercialisable ou à en tirer un profit personnel. Je l’ai photographiée simplement parce qu’elle était là, pour capturer l’essence de sa présence. Il ne s’agissait pas de faire d’elle une superstar ; pour moi, elle n’était qu’une personne, et je l’ai traitée comme telle.
Janis Joplin semblait me faire confiance parce qu’elle sentait que j’étais sincère. En tant que musicienne et artiste, elle percevait intuitivement les intentions et l’authenticité des personnes qui l’entouraient. Elle savait que j’étais là parce que j’aimais sincèrement être présent et capturer les moments. Mon approche était motivée par ma propre passion pour la photographie, et non par des demandes extérieures émanant de magazines ou d’intérêts commerciaux. Une dynamique similaire existait dans ma relation avec Bob Dylan et les membres du groupe. Tout ce que je voulais, c’était prendre une bonne photo et être ouvert à tout ce qui se passerait naturellement.
En résumé, même si ma relation avec Janis Joplin n’était pas profondément personnelle, il y avait un sentiment de confiance et de confort entre nous. Cela a influencé ma façon de la photographier, elle et d’autres musiciens, car je me suis attaché à capturer leur essence et leur présence authentique plutôt que de répondre à un programme ou à une attente spécifique.
Comment votre philosophie, qui consiste à trouver de la joie dans la connexion avec les sujets plutôt que de s'appuyer sur le post-traitement, influence-t-elle votre approche de la photographie ?
Oui, le post-traitement et mon implication personnelle dans l’impression et la fabrication de livres ont un impact certain sur le résultat final de mes photographies. Lorsque je fais des tirages, je suis toujours présent et méticuleux pour m’assurer que la photographie me plaît. Même aujourd’hui, bien que j’aie des assistants qui travaillent avec des ordinateurs, je supervise le processus et je fais les derniers ajustements tels que la luminosité, l’obscurité, l’équilibre des couleurs et la qualité générale. Il en va de même pour mes livres. Aujourd’hui, je contrôle la qualité des photographies et la manière dont elles sont présentées. Si elles ne répondent pas à mes critères, je les refais jusqu’à ce qu’elles véhiculent l’esthétique souhaitée.
Les tirages et les livres que les gens voient sont filtrés à travers moi, capturant ma vibration intérieure et mon intention. En regardant mon travail, qu’il s’agisse des tons, de la composition ou du sentiment général, les gens font l’expérience de l’essence de ce que je suis en tant qu’artiste. C’est pourquoi certaines personnes entrent en résonance avec mes photographies et expriment comment elles ont été influencées par elles. Ce n’est pas nécessairement à cause du sujet, mais plutôt à cause de l’atmosphère générale, de l’impact émotionnel et de la façon dont elles résonnent avec leur propre sensibilité.
La composition est vitale pour moi, et je prends souvent plusieurs photos en succession rapide pour capturer les différences subtiles de sentiment. Ces légères variations peuvent avoir un impact significatif sur l’expérience globale d’une image. Par exemple, pour le deuxième album de mon groupe, la photo de couverture a été choisie à partir d’une séquence d’images. Cependant, j’ai publié par erreur une image différente sur mon site web et quelqu’un m’a signalé la différence. En comparant les deux images, j’ai découvert une différence subtile mais perceptible dans le sentiment qu’elles véhiculaient. Cette anecdote souligne l’importance de prêter attention à ce qu’une photographie vous fait ressentir.
Je conseille aux gens de se fier à leurs sentiments lorsqu’ils choisissent une photographie. Lorsque vous regardez des images similaires, prêtez attention à la réaction émotionnelle qu’elles suscitent. Plutôt que d’y réfléchir longuement, une photographie qui a vraiment de l’impact doit vous toucher de manière immédiate et intuitive. Vous devez avoir une réaction instinctive forte qui résonne en vous à un niveau profond. Bien sûr, il peut y avoir plusieurs excellentes photographies dans une série, mais celles qui sortent vraiment du lot évoquent ce sentiment de « wow » sans qu’il soit nécessaire de rationaliser leur qualité.
En fin de compte, mon implication dans le post-traitement et le contrôle créatif que j’exerce sur mes tirages et mes livres sont motivés par le désir de m’assurer que la vibration, l’émotion et la beauté de mes photographies sont transmises avec précision. Je préfère conserver ce niveau de contrôle car il me permet de préserver l’intégrité de ma vision artistique. Bien que je sois ouvert à la collaboration avec des éditeurs de photos et des concepteurs compétents qui peuvent améliorer mon travail, mon objectif principal est de préserver et de communiquer mon essence artistique à travers le résultat final.
Qu'espérez-vous que les gens retirent de vos photographies, et comment voulez-vous que vos images trouvent un écho auprès des spectateurs ?
Lorsque les gens regardent mes photographies, j’espère qu’ils ressentent la même vibration, la même sensation et le même sens de la beauté que j’éprouve lorsque je capture ces moments. Lorsque je prends une photo, je suis attiré par ce que je trouve visuellement agréable, et je ne capture pas d’images que je n’aime pas ou que je considère comme négatives. Je ne prends pas de photos dans l’intention de montrer à quel point quelque chose est mauvais ; c’était plus courant lorsque je photographiais des manifestations pour la paix il y a de nombreuses années. Aujourd’hui, je m’attache à capturer des moments d’amour et de beauté.
J’ai notamment réalisé de nombreuses photos d’enfants, de relations mère-enfant et d’autres sujets magnifiques qui n’ont pas été autant exposés. J’espère que lorsque les gens voient ces images, ils ressentent un sentiment d’amour et l’emportent avec eux. Faire l’expérience de l’amour dans sa vie est transformateur et enrichissant, un peu comme consommer de la bonne nourriture. L’amour devient une partie de notre identité.
L’une des raisons pour lesquelles les gens ont exprimé leur admiration pour mes photographies de rock and roll, en particulier celles de Janis Joplin, est qu’ils pensent que j’ai capturé le sentiment extatique que Janis incarnait lorsqu’elle se produisait. Elle voulait que les gens se sentent bien, qu’ils se connectent à eux-mêmes et qu’ils soient libérés des contraintes sociétales lorsqu’ils écoutaient sa musique. Elle voulait briser les prisons culturelles et encourager les gens à être ce qu’ils voulaient vraiment être, sans inhibition et avec authenticité.
Cette interview vous inspire ?
Pour moi, l’excitation réside dans le fait de savoir que les photographies que j’ai prises, non seulement à l’époque du rock and roll mais aussi dans d’autres contextes, peuvent évoquer un sentiment de beauté éternelle. L’amour, dans son essence, est une connexion à l’énergie de la vie elle-même. C’est le sentiment pur que l’on éprouve lorsqu’on tient un nouveau-né ou un jeune enfant dans ses bras. C’est difficile à exprimer avec des mots, mais c’est ce qu’est l’amour, et c’est ce qu’est la vie.
En grandissant, on nous apprend souvent à réprimer nos penchants naturels et à nous conformer aux attentes de la société. On nous dit ce qu’il ne faut pas faire et comment ne pas être. Cependant, l’amour nous permet d’embrasser la liberté, la joie et l’authenticité. Je me souviens d’un bel exemple de cela lorsque la jeune fille d’une amie a accidentellement fait tomber un livre de coloriage dans les pâtes de sa mère au restaurant. Au lieu de la gronder, la mère a géré la situation avec amour et acceptation, comprenant que l’enfant était simplement en train d’explorer et de s’amuser. L’amour consiste à nourrir ce sentiment de liberté et à permettre aux gens d’être eux-mêmes sans jugement.
En résumé, j’espère que lorsque les gens s’intéressent à mes photographies, ils peuvent vivre un moment d’amour et emporter ce sentiment avec eux. L’amour est une force puissante qui nous relie à l’essence de la vie et nous aide à nous libérer des contraintes des normes sociétales.
Qu'est-ce qui a motivé votre transition vers de nouveaux sujets, comme la photographie de vos propres enfants et la création de photographies de fleurs impressionnistes, et comment ont-ils influencé votre expression artistique ?
Après avoir photographié le rock and roll, j’ai atteint un point où je ne voulais plus continuer dans cette direction. Même si les autres me disaient que j’étais au sommet de mon art, cela ne me passionnait ni ne m’intéressait plus. Je crois qu’en tant qu’artiste, il est essentiel d’explorer constamment de nouveaux territoires et de créer quelque chose de différent de ce qui a été fait auparavant. J’avais déjà capturé l’essence des musiciens et des concerts, et j’avais le sentiment d’avoir appris ce que je devais apprendre de cette expérience.
Lorsque ma femme est tombée enceinte, j’ai naturellement commencé à la photographier pendant sa grossesse, puis je me suis concentré sur des sujets liés à la mère et à l’enfant. J’ai trouvé une grande beauté dans ces moments et j’ai voulu transmettre l’importance de la famille et le lien profond entre une mère et son enfant. C’était une façon pour moi d’exprimer ma conviction que l’amour et la connexion sont fondamentaux pour l’être humain.
J’avais le sentiment que de nombreux hommes, en particulier, étaient souvent trop préoccupés par leur travail et négligeaient de donner la priorité à leur famille. À travers mes photographies, je voulais souligner la beauté et l’importance de ces liens familiaux et encourager les gens à chérir ces expériences dans leur propre vie.
Lorsque mes enfants ont grandi, cette phase de ma photographie s’est achevée et j’ai attendu que la prochaine nouveauté suscite mon intérêt. Par hasard, je suis tombée sur un champ de tournesols et j’ai expérimenté des filtres spéciaux qui créaient un effet impressionniste. J’ai découvert une nouvelle série, que j’appelle « kale Escapes », où je regarde à travers un objectif en forme de kaléidoscope pour capturer des images abstraites et oniriques. Ces images évoquent une réalité différente et éloignent les spectateurs de leur esprit cognitif, leur permettant de faire l’expérience d’un espace différent.
Certains verront peut-être une connotation politique dans cette série. Pour moi, la politique consiste à apporter des changements positifs et à remettre en question les normes sociétales. Notre façon de penser, façonnée par les attentes de la société et le conditionnement culturel, entrave souvent notre capacité à nous connecter à l’essence de la vie. Grâce à la méditation et à d’autres pratiques, nous pouvons puiser dans cette énergie essentielle et éprouver un sentiment plus profond d’être en vie. Mes photographies abstraites et la musique qui les accompagne visent à créer une expérience similaire, en éloignant les spectateurs de leurs pensées et en les guidant dans un autre monde.
Quel appareil photo et quel équipement utilisez-vous généralement pour vos photographies ?
À cette époque, j’ai vendu tous mes appareils photo et j’ai opté pour un appareil Konica avec exposition automatique et zoom. J’ai ainsi simplifié mon équipement en me contentant d’un boîtier et de deux objectifs, ce qui m’a permis d’être plus pratique. J’ai utilisé cette configuration pendant plusieurs années lorsque je vivais en Europe. Plus tard, j’ai commencé à utiliser des appareils reflex Olympus en raison de leur petite taille et de leur qualité comparable à celle des Nikon que j’utilisais auparavant. Je les ai trouvés légers et adaptés à mon style de photographie, car je préfère la commodité et la liberté de mouvement.
J’ai fini par passer aux appareils photo Canon lorsqu’ils ont introduit les obturateurs électroniques et amélioré les fonctionnalités. J’ai apprécié la facilité de prise de vue et la possibilité de prévisualiser les images sur l’écran. Lorsque les appareils photo numériques se sont répandus, j’ai continué à utiliser Canon jusqu’à ce que je revienne récemment aux appareils photo numériques Olympus. La taille compacte et la légèreté des appareils Olympus, combinées aux progrès de l’intelligence artificielle, me permettent de réaliser les tirages que je souhaite sans avoir besoin d’un équipement lourd.
Pourriez-vous nous donner plus de détails sur votre prochaine exposition autour du festival de la photo d'Arles, et quel est, selon vous, le secret de votre capacité à vous réinventer en permanence tout au long de votre carrière ?
Certainement. J’ai commencé à utiliser un appareil photo doté de filtres intégrés offrant divers effets, comme le fait de rendre l’image rose, d’y ajouter des étoiles ou de lui donner un ton sépia. Ces filtres me permettaient de modifier l’image de différentes manières, notamment en créant un effet de peinture. Au départ, j’ai utilisé ces filtres pendant des années, mais je ne les trouvais pas intéressants. Cependant, il y a environ quatre ans, j’ai commencé à utiliser l’un de ces filtres et j’ai peu à peu réalisé à quel point les photos pouvaient être incroyables.
L’année dernière, lorsque je suis retourné en France, j’ai pris de nombreuses photos à l’aide de ces filtres. Je suis tombée amoureuse des résultats, car ils avaient une qualité unique que je n’avais pas créée intentionnellement. Les conditions d’éclairage et le filtre lui-même ont joué un rôle important dans le résultat. J’ai essayé d’acheter des appareils photo équipés de filtres similaires, mais je n’en ai trouvé aucun qui produise la même douceur, la même couleur et le même équilibre que ceux que j’obtenais avec mon appareil photo. J’ai donc un appareil photo unique en son genre, que je chéris.
Le processus implique l’utilisation d’un long objectif équivalent à 600 millimètres, ce qui me permet de photographier les gens à distance. Cela introduit un élément de hasard, car les gens se déplacent rapidement et d’autres peuvent passer devant eux pendant que je prends la photo. Parfois, une partie du visage est coupée ou d’autres éléments inattendus apparaissent, ce qui crée des compositions intrigantes. Je compte sur le partenariat entre le hasard et moi-même pour trouver l’excitation dans l’imprévisible et capturer ces moments uniques.
Ces photographies pop color n’ont pas été modifiées par Photoshop et représentent les images originales capturées par l’appareil photo. Je leur ai donné le nom de « photographies pop color » et j’ai trouvé qu’elles constituaient une nouvelle direction passionnante pour mon travail. Je pense que la quantité de photos prises n’a pas d’importance ; c’est la qualité des photos qui compte. Je sélectionne les meilleures pour les montrer aux gens, tout en gardant les autres cachées.
Pour l’exposition, j’imprime ces photographies sur toile et leur donne un aspect peint. J’ai soigneusement choisi un matériau de toile qui n’a pas de brillance optique, ce qui garantit que les couleurs ne s’estomperont pas avec le temps. Les tirages ont des couleurs riches comparables aux meilleurs papiers que j’ai utilisés. Actuellement, je les imprime au format 12 x 18 pouces, mais j’envisage de créer des versions plus grandes à l’avenir. Cette exposition aura lieu à l’hôtel Calendal, situé en face du théâtre romain d’Arles, en France, du 27 juin au 30 septembre.
Comment pensez-vous que le domaine de la photographie a évolué depuis vos débuts et quels conseils donneriez-vous aux jeunes photographes ?
C’est une question intéressante, d’autant plus que je vais bientôt donner un cours. Au départ, je pensais l’appeler « photographie spirituelle », mais les organisateurs de l’Institut Omega, où le cours aura lieu, m’ont convaincu de me concentrer sur le fait de photographier ce que l’on aime. Voilà donc le premier conseil que je donnerais aux jeunes photographes. Suivez votre passion et photographiez des sujets qui vous inspirent vraiment. Toutefois, je comprends que certaines personnes puissent être motivées par le désir de gagner de l’argent avec leur photographie, et c’est bien ainsi. Si c’est le cas, concentrez-vous sur cet aspect et développez les compétences nécessaires au succès commercial.
Quelle que soit votre approche, il est essentiel de faire preuve de respect dans vos photographies. Ne photographiez pas quelqu’un qui ne veut pas être photographié. Mais en même temps, vous pouvez supposer que si vous vous sentez bien à l’idée de prendre quelqu’un en photo parce qu’il a l’air sympathique et que vous êtes conscient de ne pas l’ennuyer, vous avez confiance dans la justesse de votre démarche. Si quelqu’un exprime son malaise, soyez prêt à supprimer la photo et à respecter ses souhaits.
Dans ma propre pratique, je propose souvent aux gens de montrer la photo que j’ai prise s’ils s’engagent avec moi après que j’ai capturé l’image. Je n’aborde pas les gens avant de les prendre en photo ; il s’agit plutôt de capturer des moments spontanés. Partager ce moment avec le sujet et l’impliquer dans le processus peut créer une interaction positive.
Je conseille donc de photographier ce que vous aimez et de le partager avec les autres. Suivez votre intuition lorsque vous photographiez, en vous laissant aller librement et en explorant différentes perspectives. Si vous vous sentez obligé de vous agenouiller, de vous retourner ou d’essayer des angles non conventionnels, ne vous posez pas de questions – faites confiance à votre instinct. Et si vous avez besoin de méditer ou d’autres pratiques pour vous connecter à vous-même et à l’essence de la vie, c’est bénéfique. Plus vous serez en contact avec vous-même et avec le monde qui vous entoure, meilleures seront vos photographies, car vous capturerez et partagerez l’essence de la vie dans une petite fenêtre pour que d’autres puissent en faire l’expérience.
