Ambiances lunaires, élégants lieux futristes : grâce à son minimalisme et à son noir et blanc léché, Mario Tarantino crée des images irréelles qui font voyager. Logique pour un globe-trotter qui s’est déplacé depuis son enfance. Né à Port Elizabeth, en Afique du Sud, il est aujourd’hui basé à Las Palmas de Gran Canaria en Espagne : son travail nous emmène découvrir des architectures scultpurales et des paysages majestueux à travers le monde. Plusieurs fois primé, il raconte à CYME comment il obtient ces images si puissantes et si oniriques.
Comment choisissez-vous les sites architecturaux et paysages que vous photographiez ?
La plupart des gens travaillant dans les arts visuels, comme moi en tant que photographe, nous observons continuellement notre environnement – cela fait partie de notre quotidien. Chercher et repérer des lieux est une partie intégrante de mon processus créatif. Un lieu visuellement intéressant apporte une contribution importante à la création d’une photo captivante. J’essaie toujours de visiter le lieu avant de le photographier. Ainsi, je peux me familiariser avec lui, voir comment il est éclairé et déterminer quel serait le meilleur moment pour le photographier. Est-ce au lever du soleil, au coucher du soleil ou pendant toute la journée ? Lors de mes voyages, je n’ai pas toujours le temps de visiter les lieux, donc je planifie soigneusement mes voyages à l’avance pour maximiser mes chances de prendre de bonnes photos. Je fais aussi beaucoup de recherches sur internet et utilise des applications spécialisées pour mieux comprendre le meilleur moment pour être sur place et planifier mes journées en conséquence.
Ce que j’essaie de transmettre avec ma photographie est un moment d’évasion esthétique, faisant tout mon possible pour transporter le spectateur, même si c’est pour quelques secondes, dans un autre endroit.
« La plupart de mes lieux sont choisis parce qu’ils m’ont fait ressentir quelque chose, ou parce qu’ils ont déclenché une scène imaginaire dans mon esprit, ou que j’ai trouvé qu’ils avaient un potentiel photographique. »
Pourquoi les humains sont-ils presque absents de vos photos ?
Comment parvenez-vous à photographier ces lieux architecturaux emblématiques complètement dépourvus de personnes ?
Avez-vous une anecdote particulière qui vous a marqué concernant l'une de vos photos ?
Vous aimez l'interview de Mario ?
Qu'est-ce qui vous attire particulièrement dans la photographie en noir et blanc ?
Personnellement, la photographie a été pour moi dès le début une histoire d’images en noir et blanc – c’était et c’est toujours mon premier amour.
Un autre facteur contribuant à mon amour pour la photographie monochrome sont les grands maîtres qui ont fortement influencé mon travail, comme Sebastiao Salgado, Ansel Adams et Michel Kenna pour n’en nommer que quelques-uns. Un autre aspect de la photographie en noir et blanc que j’apprécie particulièrement est son élégance intemporelle. Comme dans tous les arts, il y a des tendances, des images à la mode et colorées qui vont et viennent, mais la photographie en noir et blanc ne perd jamais son attrait.
« Éliminer les distractions colorées ramène l’image à l’expression la plus simple de formes, de lumière et d’ombre : ce que je trouve surréaliste et sublime à la fois. »
Qu'avez-vous découvert en premier, la photographie ou les voyages ?
Vous avez reçu de multiples récompenses. Quel rôle ont joué ces prix dans votre carrière ?
Y a-t-il des photographes ou des artistes historiques en noir et blanc qui vous ont particulièrement influencé ?
Cette interview vous inspire ?
Quel type d'équipement utilisez-vous le plus souvent pour vos prises de vue ?
Je travaille avec un Canon 5D Mark IV et une grande majorité de mes photographies sont prises avec un objectif grand angle – c’est mon objectif de prédilection. Je travaille aussi avec d’autres objectifs, un 50mm fixe, un 24-70 et parfois un objectif à bascule et décentrement. Chaque objectif a ses propres caractéristiques et contribue à créer l’atmosphère ou l’humeur de la photo. Dans mon cas, j’aime utiliser un grand angle en raison de la profondeur et de la perspective qu’il apporte aux photos. Le moment de la journée est également un facteur important pour créer une émotion : la plupart de mes images sont photographiées dans des conditions de faible lumière, soit au lever ou au coucher du soleil.
Enfin, j’utilise différents filtres ND qui permettent une exposition longue afin de créer un sentiment de surréalisme. Une fois le travail de l’appareil photo sur place terminé, les photos sont éditées et, à ce stade du processus de création, l’utilisation de différentes techniques de post-traitement me permet de développer l’ambiance que je souhaite transmettre au spectateur. La dernière étape du processus créatif est l’impression de la photo, tout mon travail est imprimé sur du papier Hahnemühle Photo Rag. Je trouve que ce papier légèrement texturé augmente la profondeur picturale tout en générant des contrastes frappants qui complètent parfaitement mes photos.
Quels sont vos logiciels de retouche photo préférés et pourquoi ?
Je travaille principalement avec Adobe Camera Raw pour exporter mes photos de l’appareil photo et les importer dans mon ordinateur portable. À partir de là, la plupart du post-traitement est effectué via Photoshop. J’utilise quelques plugins dans mon flux de travail, notamment Niks & Imagenomic. Étant un perfectionniste total, avoir le contrôle de chaque élément de la photo est important pour moi. J’utilise Camera Raw ou Lightroom car c’est le logiciel que j’ai utilisé lorsque j’ai commencé à retoucher des photos. À partir de là, les outils de sélection de Photoshop sont excellents et offrent des interventions ciblées en post-traitement – quelque chose que je trouve utile. Les plugins que j’ai mentionnés ont chacun des fonctions spécifiques et sont pour moi incroyablement efficaces pour effectuer certaines tâches spécifiques telles que les masques de luminosité, le contrôle du bruit et les actions de flux de travail en art numérique.
Quels conseils donneriez-vous aux jeunes photographes cherchant à développer leur propre style et à se faire une place dans l'industrie de la photographie ?
Le paysage photographique actuel est saturé, rendant plus complexe pour les photographes de se démarquer dans une industrie extrêmement compétitive. La première étape est de savoir exactement ce que vous aimez photographier et ce qui vous passionne. Une erreur courante est de se lancer dans de nombreux genres de photographie différents sans en maîtriser pleinement aucun. Nous vivons dans une société qui vend le succès du jour au lendemain et tout doit se passer en un clin d’œil ou d’un claquement de doigts – la croissance et la perfection de la technique, tant dans le travail de l’appareil photo que dans le post-traitement, prennent du temps.
Le réseautage peut également aider à atteindre la croissance en recevant des retours – il existe de nombreux médias sociaux proposant des appréciations de photos. Il faut cependant être prêt à accepter des retours qui ne seront pas toujours faciles à entendre au début. Enfin, naviguer sur les médias sociaux s’avérer utile à bien des égards, grâce à la richesse des images proposées.
