Vous utilisez la technique du ICM pour créer vos images impressionnistes et abstraites. Pourriez-vous nous expliquer cette technique, ce qui vous a attiré au départ vers cette technique et comment elle a forgé votre style personnel au fil des ans ?
C’est le mouvement de l’appareil photo ; il s’agit d’utiliser des paramètres spécifiques, comme la durée d’exposition, et aussi d’utiliser quelque chose comme un filtre ND pour contrôler la lumière, permettant une durée pendant laquelle l’obturateur est ouvert pour capturer le mouvement de l’appareil photo. Cela permet de créer des motifs, des textures légères ou d’autres résultats.
En regardant le travail de photographes comme Valda Bailey, une photographe originaire de Sussex qui est une figure de proue dans ce domaine. Elle a utilisé le mouvement intentionnel de l’appareil photo et des expositions multiples conjointement, ce qui ressemble davantage à l’utilisation principale des expositions multiples pour créer ce genre de résultat peint, ce que j’ai vraiment aimé.
Je suis quelqu’un qui se lasse très rapidement. J’ai vite passé d’une technique photographique à une autre. Et avec l’ICM (Mouvement Intentionnel de l’Appareil), c’est parce que chaque jour est différent, chaque fois que l’appareil photo entre en jeu, même au même endroit, tout est une surprise. On n’est jamais vraiment sûr de ce que l’on va obtenir.
Et puis, j’aime bien qu’on me mette au défi. Pour moi, rien c’est plus simple que de se rendre dans un paysage magnifique, de poser son appareil photo sur un trépied et d’appuyer sur le bouton de l’obturateur. Pour une personne qui fait de la ICM, c’est un énorme défi de trouver les bonnes compositions, les bonnes expositions et la bonne quantité de mouvement – ni trop, ni trop peu. C’est donc très délicat. Il y a beaucoup de compétences à développer et à déployer dans la technique. Dans mon cas, il s’agit d’obtenir des résultats préliminaires que je dois ensuite approfondir par le post-traitement lourd que j’effectue. Ce post-traitement détermine de manière significative l’aspect général et la perception de mon travail.
Ma photographie « normale » était très moyenne, elle n’avait rien d’exceptionnel. Mais le mouvement de la caméra intentionnelle m’a donné une plateforme, une niche dans laquelle je peux m’épanouir. Et j’ai fini par acquérir une certaine notoriété grâce à cela. Cela n’aurait pas été le cas si je m’étais concentré sur les portraits ou la photographie de paysage normale, parce que j’étais tout simplement dans la moyenne.
Je photographie principalement toujours les mêmes sujets qu’avant, mais maintenant j’utilise la photographie ICM pour obtenir des résultats très différents.
Combien de temps vous a pris la transition entre la photographie "normale" et le style ICM ?
J’ai découvert ce style il y a une dizaine d’années. J’ai donc pris mes premières photos vers le mois d’août 2013, mais c’est peut-être en octobre 2013 que j’ai fait une tentative plus poussée. Je ne dirais pas que j’étais satisfait du résultat final de ces images avant l’année suivante. J’ai donc beaucoup expérimenté et tâtonné ; j’ai essentiellement affiné la technique et l’ai explorée jusqu’à ce que j’aie le sentiment d’être allé au-delà de ce que l’on peut considérer comme la norme lorsque l’on s’essaie à la photographie ICM. J’ai toujours voulu faire mon propre truc, exploiter mes propres compétences.
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Vos photos s'inspirent du maître anglais du XIXe siècle JMW Turner. Comment son travail a-t-il influencé votre propre photographie, en particulier en termes de formes et de couleurs ?
Oui, cela m’inspire certainement. J’ai été influencé par les types de lieux et de scènes qu’il a peints en raison de la région dans laquelle je vis.
Je vis dans une très belle partie du Northumberland, dans le nord-est de l’Angleterre, et c’est une région où il est allé de nombreuses fois au cours de sa vie pour faire beaucoup d’esquisses préparatoires pour son travail. Vous avez des lieux à proximité comme l’abbaye de Dryburgh, le château de Harbottle, le château de Bamburgh, Lindisfarne, le château de Norham, qui est comme un ensemble très célèbre de lieux… Tous ces endroits sont relativement proches de moi, et comme il n’y a pas eu beaucoup de développement industriel ou autre dans cette région, beaucoup de scènes n’ont pas changé du tout. Donc, beaucoup d’endroits ressemblent presque à ce qu’ils étaient il y a 200 ans car la région est très rurale, principalement axée sur l’agriculture.
J’ai ces lieux juste à ma porte, qu’il a aussi peints, donc j’étudie toujours un peu son travail. Je connaissais beaucoup des endroits et je les ai ensuite regardés de mes propres yeux, me tenant probablement à des positions similaires d’où il esquissait. Il y a cette influence, et certainement la façon dont il peignait. Quand j’ai commencé à photographier de cette manière, à travers mes propres yeux, j’ai essayé d’interpréter ce qu’il voyait dans ma tête. Donc définitivement la palette de couleurs de l’époque, l’effet de vieillissement…
Au cours de votre parcours de photographe, comment avez-vous trouvé votre niche et développé votre style personnel ? Y a-t-il eu des défis importants ou des moments décisifs en cours de route ?
J’ai toujours prétendu être un photographe correct, mais en découvrant la photographie ICM, j’ai eu l’impression d’avoir trouvé une niche dans laquelle je pouvais m’épanouir et où je pouvais également créer une entreprise. L’ICM m’a offert l’opportunité d’avoir cette niche très personnelle parce que… quand vous pensez à la photographie dans son ensemble et à tous ses différents aspects comme la photographie sportive, les portraits, le paysage, l’abstrait… vous pouvez appliquer la photographie ICM à tous ces domaines également. Cela peut être une niche très restreinte, mais tout ce que vous pouvez faire avec la photographie normale, vous pouvez le faire avec l’ICM. C’est une petite niche mais massive en même temps, elle vous offre tant de liberté.
La façon dont je photographie, généralement parce que j’ai peu de temps pour sortir, je ne sors probablement pas aux moments idéaux pour photographier, comme pas toujours à l’heure dorée. Je sors quand j’ai une heure de libre et je prends simplement 300 ou 400 images de divers mouvements, puis je reviens et passe un mois devant l’ordinateur à travailler. C’est la façon dont je travaille en raison de mon mode de vie et de mes responsabilités.
Un beau ciel bleu pourrait se transformer en un ciel orageux très menaçant à cause de la façon dont les formes interagissent et comment les couleurs et les textures se combinent.
Et pour les défis… Il y en a beaucoup, certainement du côté de l’édition. Il y a eu quelques moments comme une ampoule qui s’allume. Et cela, vous savez, c’est purement dû à des heures et des heures et des heures passées à expérimenter dans Photoshop, sans plugins ni logiciels. Et c’était très semblable à un voyage de découverte, comme vous le savez, alors que je passais à travers tout cela et que tout se développait avec un flux de travail très individuel. Ce fut un long voyage, et je peaufine encore; je ne suis jamais toujours 100% satisfait.
Il y a eu des moments où j’expérimentais, en tournant des choses, et je pensais que cela se mélangeait magnifiquement, et cela est devenu presque comme une marque de fabrique que j’utiliserais presque sur chaque image, en tournant des choses à l’envers.
Alors, ce sont les petites choses comme cela qui viennent simplement en passant du temps, en jouant avec les images, en utilisant les modes de fusion, et en voyant comment les images interagissent les unes avec les autres. Personne ne m’a appris tout cela; c’est toute une autodécouverte, c’est peut-être pourquoi il est difficile d’enseigner quoi que ce soit de cela. Mais j’ai apprécié le voyage en expérimentant et en jouant.
Il y a toujours de l’expérimentation, et chaque jour est un jour d’apprentissage.
Votre travail a été exposé dans diverses publications et expositions. Y a-t-il une expérience ou une reconnaissance particulière dont vous êtes le plus fier ?
Oui, la Old School Gallery à Alnmouth, Northumberland. C’était ma première exposition solo. Ce fut un moment de fierté, une exposition dans une bonne galerie à proximité. C’était initialement un choc car la galerie est venue vers moi pour me demander si j’étais intéressé, plutôt que d’avoir à frapper à des portes pour obtenir une opportunité d’exposition. Je n’ai rien eu à faire, mais j’étais aussi terrifié et je n’avais aucune confiance en moi. Mais nous l’avons fait, et c’était une expérience. Ce fut un moment très fier dans ma carrière; des gens venaient de différentes régions du pays pour voir mon exposition, et cela m’a stupéfait. Penser que les gens feraient l’effort de venir voir mon travail était une grande révélation et quelque chose de réconfortant – que les gens appréciaient le travail et moi-même.
En tant qu'une entreprise de création d'outils pour les photographes, notre équipe et notre communauté sont très intéressées par les aspects techniques de votre travail. Pourriez-vous nous parler de l'appareil photo et de l'équipement avec lesquels vous préférez travailler pendant votre processus de photographie ?
Photoshop est l’une des principales choses, du côté de l’édition, Lightroom pour commencer, puis Photoshop, et ensuite un module particulier de la collection Nik, qui est produit par DxO. Il s’agit du module Analog Efex Pro de la collection Nik, que j’utilise abondamment, puis je reviens à Photoshop et ensuite à Lightroom. Ainsi, Analog Efex Pro dans la collection Nik est l’un des principaux éléments créatifs de mon travail d’édition. J’utilise un Nikon D850 comme appareil photo et je fais mes montages sur mon PC.
Quels outils utilisez-vous pour le post-traitement ? Quels paramètres utilisez-vous pour vos images ?
Dans Analog Efex Pro de la Collection Nik, j’ai développé mon propre ensemble de préréglages qui sont également disponibles à la vente sur mon site web. Je les utilise comme points de départ, car ils offrent des variations dans les combinaisons de couleurs et le positionnement des doubles expositions. Lorsque je regarde les aperçus à gauche de l’écran, je peux me faire une idée approximative de la façon dont l’image de base interagira avec le préréglage. À partir de là, je peux sélectionner un préréglage, puis procéder à des ajustements ou même reconstruire l’ensemble de l’effet à partir de zéro. Bien que je sois un peu paresseux à cet égard, j’opte généralement pour l’utilisation de mes préréglages comme base, puis je peaufine des éléments tels que l’exposition, les vignettes et d’autres ajustements standard. La fonctionnalité de préréglage d’Analog Efex Pro rationalise le processus, même si je dois parfois déployer des efforts créatifs supplémentaires pour déterminer la destination finale d’une image.
Il n’y a pas grand-chose de plus à faire. Après le processus dans Analog Efex Pro, je retourne dans Photoshop pour apporter des modifications supplémentaires, comme l’utilisation des courbes ou l’ajustement de la teinte et de la saturation. Ces réglages permettent d’affiner la couleur, ce qui est très important pour moi. Si la couleur est légèrement fausse, l’ensemble de l’image peut sembler compromis. Il est important pour moi de m’assurer que je suis satisfait de la couleur.
Cette interview vous inspire ?
Pouvez-vous nous parler de votre affiliation à la Collection Nik de plugins de DxO et de la manière dont vous intégrez ces outils dans votre processus créatif ?
Ils m’ont contacté. Je pense que c’était l’une de ces situations où vous répondez parfois ou remplissez un sondage à partir d’un email ou autre. Et je pense que je l’ai rempli. Ils m’ont rappelé, et je ne suis toujours pas sûr s’ils savent exactement ce que je fais avec leur logiciel. Je pense qu’ils ont apporté des modifications importantes à leur marketing d’affiliation récemment. Il semble qu’ils aient supprimé de nombreux types d’influenceurs et se soient orientés vers des personnes qui travaillent activement dans le domaine, des individus qui ont des chaînes YouTube dédiées à la photographie, plutôt que de simples influenceurs en général. Il semble qu’ils aient tout restructuré. Je crois que je venais de rejoindre le programme d’affiliation, et puis les choses ont changé. Je suis donc reconnaissant d’avoir été l’un de ceux qui sont restés.
Concernant la Nik Collection, je l’utilise depuis bien avant que DXO ne l’acquière. Je l’utilisais quand c’était simplement la Nik Collection. Je l’utilise peut-être depuis 20 ans ou presque. Peu importe le style que j’ai poursuivi, que ce soit mon ancienne approche en noir et blanc, j’ai utilisé la Nik Collection. J’ai utilisé Silver Efex Pro pendant longtemps car c’était le meilleur logiciel que j’ai trouvé pour la photographie en noir et blanc. Il se pourrait qu’il soit toujours le meilleur. J’ai donc toujours été dans cet écosystème, un fervent fan de leurs produits depuis de nombreuses années.
Vous animez un live stream hebdomadaire sur YouTube appelé "Tuesday Night Edits" au cours duquel vous éditez votre travail en direct. Qu'est-ce qui vous a incité à partager votre processus de montage avec d'autres personnes, et quel type de réponse avez-vous reçu de votre public ?
YouTube fait partie de mes habitudes depuis plusieurs années et, en ce qui concerne la diffusion en continu, ce concept m’a inspiré en regardant des joueurs participer à des diffusions en direct.
C’est la communauté des joueurs qui m’a donné l’idée de faire des diffusions en direct. J’avais déjà réalisé quelques vidéos, dont l’une des premières présentait mon flux de travail de l’époque. Il s’agissait d’une vidéo d’environ 20 minutes que j’ai publiée. Quelques années plus tard, alors que j’envisageais de m’investir dans la création d’une chaîne YouTube, je me suis rendu compte que YouTube pour les photographes devenait de plus en plus populaire et que de nombreuses personnes comme Thomas Heaton ou Nigel Danson connaissaient le succès grâce à lui. Il semblait que c’était le bon moment pour que tout le monde tente sa chance. À ma grande surprise, lorsque je me suis reconnecté, j’ai constaté que j’avais gagné environ 150 abonnés rien qu’avec cette vidéo sur le flux de travail.
Après avoir eu du mal avec la présence à la caméra en présentant des vidéos sur YouTube, c’est alors que l’idée de diffuser en streaming a émergé. Lorsque vous êtes dehors dans les landes, à vous promener et à filmer, cela peut sembler un peu contre nature. Cependant, lorsque je le fais en direct, il y a une certaine détente. Tout coule naturellement, c’est non scénarisé, simplement ouvert et honnête.
Un soir, j’ai décidé de me mettre en ligne, et ça a marché. J’ai donc continué. Hier soir, j’ai achevé mon 230e épisode. Cela fait maintenant plus de cinq ans que nous faisons cela, et c’est très amusant.
On commence à voir des visages familiers dans le chat, et ces habitués sont souvent ceux qui me soutiennent le plus, moi et la chaîne. Beaucoup d’entre eux contribuent à Patreon ou sont membres de YouTube. Ils s’engagent également sur mon serveur Discord et sur d’autres plateformes. Je passe du temps à regarder d’autres émissions en direct et à participer à différentes communautés, même en dehors de la photographie, comme le monde du gaming. Je trouve que j’aime plus regarder que jouer, surtout quand je ne suis pas très doué pour les jeux. Il est beaucoup plus satisfaisant de regarder quelqu’un de doué. Lorsque je joue seul, j’ai tendance à me sentir frustré assez facilement. Je suis particulièrement attiré par l’esprit de communauté qu’offrent ces chaînes.
Maintenant, pour mes vidéos en streaming, je fais attention à ne pas donner gratuitement toutes mes connaissances chaque semaine sur YouTube. Ainsi, les mardis soirs sont devenus davantage un format de divertissement plutôt qu’exclusivement éducatif. C’est plus sur la découverte de ce qui nous attend aujourd’hui, quelle image prendra vie.
Je me concentre sur l’interaction avec les personnes qui participent à la discussion, en leur permettant de se divertir et de divertir les autres, car ils partagent souvent un bon moment de rire à leurs propres dépens ou à cause de mes excentricités. L’objectif est de créer une atmosphère légère et agréable et d’apporter une touche de créativité.
Vous proposez des cours particuliers. Qu'est-ce qui vous a poussé à commencer à enseigner aux autres et qu'est-ce que les participants peuvent s'attendre à apprendre lors de vos ateliers ?
Beaucoup de personnes que je connais organisent des ateliers en groupe et ce type de formation. Ils emmènent les clients pour la journée, explorant des montagnes, des côtes ou d’autres lieux. Ils positionnent les clients pour obtenir de bonnes compositions au milieu de paysages captivants. Cette approche a ses mérites, mais de mon point de vue, j’ai découvert que ma force résidait dans la post-production. Les clients voulaient en savoir plus à ce sujet, et ce sont leurs demandes qui ont suscité mon intérêt. Je me suis dit : « Pourquoi ne pas essayer ? » Après en avoir essayé quelques-uns, j’ai réalisé que je pouvais exceller dans ce domaine.
Étant donné ma nature plutôt réservée, il était un peu difficile de se lancer dans ce domaine. Pourtant, il faut parfois sortir de sa zone de confort. Je me suis donc lancé dans les cours particuliers. Cela fonctionne très bien et remplit une journée. J’organise généralement une séance matinale sur le terrain. Nous nous concentrons généralement sur un seul lieu offrant de multiples possibilités photographiques. Pendant ce temps, j’aborde diverses techniques impliquant le mouvement, je discute des théories, je partage les meilleures pratiques et je donne un aperçu des réglages optimaux et de la gestion de la lumière.
J’aborde les problèmes courants qui peuvent survenir et affecter la qualité de l’image. Les bases sont posées le matin. L’après-midi, nous retournons au studio, où je démontre essentiellement mon flux de travail complet en utilisant les photos prises plus tôt dans la journée.
Nous suivons le processus et, en fonction du temps disponible et de leurs besoins spécifiques, nous revoyons leurs propres images. Nous identifions les points forts, les photos qui sortent du lot, et peut-être même un exemple à suivre ensemble. Cela les aide à comprendre comment je conçois mes images. Parfois, les gens peuvent observer ce que je fais, mais leur style est différent. Dans ce cas, je leur donne des conseils qui s’alignent sur leur approche unique plutôt que de me concentrer sur une imitation stricte de mon style.
Actuellement, je préfère les séances individuelles aux ateliers de groupe. L’horaire commence généralement à neuf heures du matin et se termine à quatre heures de l’après-midi. Cette structure me permet de consacrer du temps à la préparation et laisse le reste de la soirée libre pour d’autres travaux et activités personnelles.
Quels conseils donneriez-vous aux jeunes photographes qui essaient de trouver leur propre style ? Comment avez-vous traversé ce processus vous-même ?
Mon conseil en photographie est de tout essayer. Oui, vous préférez peut-être faire du paysage ou quelque chose comme ça, mais vous pourriez finir par devenir le meilleur photographe de portrait du monde.
On ne le sait pas tant qu’on n’a pas essayé. Alors essayez tout, saisissez autant d’opportunités que possible, préparez-vous à beaucoup de découvertes personnelles et à travailler souvent seul, expérimentez, adoptez toutes les nouvelles technologies, qu’il s’agisse de logiciels, d’IA ou même d’appareils photo.
Si vous le pouvez, consacrez-y du temps. Je veux dire, j’ai eu la chance, quand je suis devenu indépendant, de pouvoir prendre presque une année sabbatique pour me consacrer non seulement à reconstruire ma vie, mais aussi à me dédier à la photographie.
C’est là que beaucoup d’expérimentations ont commencé. Et c’était avant que je commence à travailler avec l’ICM.
Sans cette période, je n’aurais pas eu la connaissance plus approfondie de Photoshop pour pouvoir un jour l’utiliser dans mon propre travail ICM afin de pouvoir transformer ces étranges images floues en un chef-d’œuvre recherché et transformé.
Sans cette connaissance de Photoshop que j’ai acquise au fil des ans, je ne serais pas en mesure d’obtenir les images que je souhaite à l’heure actuelle. Il faut donc s’attendre à beaucoup de travail et d’expérimentation. Vous devriez toujours expérimenter. Regardez toutes les chaînes YouTube qui vous expliquent comment faire des choses avec Photoshop ou un autre logiciel. Regardez autant que vous le pouvez. Apprenez des autres.
Et soyez toujours prêt à continuer à apprendre. Un jour, vous trouverez ce style unique et cette niche. Mais si vous n’en retirez pas une gratification immédiate, ne vous découragez pas et continuez à travailler, à publier. Continuez à les publier sur Twitter, Instagram ou tout autre site où nous publierons des photos plus tard. Continuez à les publier tous les jours. Un jour, une personne le verra, l’adoptera et ce sera le catalyseur de l’étape suivante. Au moment où vous en avez besoin, il y a toujours quelque chose qui vient vous aider.
