Il n’y a pas que la raison et l’analyse pour nous aider à comprendre des sujets complexes. Les émotions provoquées par la beauté d’une image sont un outil puissant pour les appréhender aussi. C’est ce que parvient à faire admirablement la photographe Carolyn Cheng. Grâce à ses vues aériennes et abstraites des paysages, elle capture les forces de la nature à l’œuvre. En utilisant le paysage comme un médium, plutôt que comme un sujet, elle produit des formes lyriques aux couleurs vibrantes. Elle s’adresse à notre inconscient et donne à voir la nature sans domination, dans une approche fascinante.
Dans une série récente de photos aériennes “Sublime Waste”, ces vues abstraites de mines australiennes révèlent des couleurs chatoyantes et des motifs étranges. Cette beauté nous bouleverse d’autant plus qu’elle souligne notre impact néfaste sur l’environnement. Une ambivalence riche d’enseignements qui nous a donné envie, à CYME, de mieux connaître cette photographe plusieurs fois primée*.
Pouvez-vous nous en dire plus sur vous ? Parlez-nous de votre univers photographique ?
J’ai toujours été à la recherche de nouveaux défis et du sens profond du monde qui m’entoure. Malgré une carrière professionnelle enrichissante en tant que chef de l’exploitation de la plus grande société immobilière nationale du Canada, j’ai toujours aimé avoir un moyen d’expression créatif. Il y a environ sept ans, lorsque la porte de mes activités sportives de compétition s’est refermée, la photographie est devenue un exutoire central.
J’ai d’abord pratiqué la photographie de manière décontractée, mais elle est passée du statut de passe-temps à celui de passion, lorsque j’ai découvert la photographie aérienne. Voir le monde d’en haut, où des éléments terrestres ordinaires comme l’eau, le sable, le sel et la terre se combinent pour former des motifs éthérés et d’un autre monde, a eu l’effet d’une métamorphose sur ma façon de voir et de vivre le monde.
J’ai eu une réponse émotionnelle si forte à cette expérience que je me suis sentie obligée de capturer les sentiments que ces paysages évoquaient en moi, qu’il s’agisse de paysages naturels ou altérés.
Bien sûr, avec la pandémie, la nature de ma photographie a dû évoluer. Fini les voyages. Mais cela m’a donné l’occasion de trouver l’inspiration plus près de chez moi dans mes jardins locaux, mes conservatoires et dans le studio, en réalisant des natures mortes botaniques.
Les années 2020 et 2021 ont été déterminantes dans mon parcours photographique. Mon travail a été régulièrement reconnu et récompensé par le PX3 (Prix de la Photographie Paris), l’IPA (International Photography Awards) et l’ILPOTY (International Landscape Photographer of the Year Awards). En outre, dans le milieu des beaux-arts, j’ai été sélectionnée pour participer à diverses expositions collectives. On m’a également demandé de parler et d’écrire sur mon propre travail dans des podcasts, des webinaires et des publications, et j’ai été ravie de rendre à la communauté qui m’a tant donné.
Alors que je retourne dans les airs, la pandémie et les événements mondiaux ont influencé l’orientation de mon travail. La pandémie a exigé que nous photographions davantage au niveau local, mais elle a également mis en évidence le fait que les décisions locales ont un impact sur le reste du monde. Au fur et à mesure que j’évolue en tant que photographe, j’aimerais explorer certains des problèmes locaux dans lesquels je vis et qui ont un impact mondial. Par exemple, plus près de chez moi, j’aimerais photographier l’impact des sables bitumineux canadiens sur l’environnement.
Qu'est-ce qui vous a décidé à approfondir la pratique de la photographie et qu'avez-vous envie de partager à travers votre art ?
J’ai toujours été une personne active et, de l’âge adulte à la trentaine, j’ai consacré toute mon énergie et ma passion aux sports de compétition, où je me suis entraînée pour participer à des courses cyclistes sur route au niveau national.
Malheureusement pour moi, la compétition a eu un prix. Après un certain nombre de chutes et à cause de l’usure chronique, j’ai découvert un jour que je ne pouvais plus m’asseoir confortablement sur mon vélo. Alors que la porte de la course s’est refermée, celle de la photographie s’est ouverte.
Le point de départ de la photographie a coïncidé avec ma passion pour les voyages internationaux. Au début, j’emmenais mon appareil photo avec moi en vacances, où j’essayais de capturer les histoires des gens et des paysages du pays. Lorsque j’ai commencé à m’intéresser de plus près à la photographie, le but de mes voyages est devenu entièrement axé sur la photographie et j’ai produit un ensemble d’œuvres à partir de mes expériences.
« Plus récemment, la photographie est devenue une partie encore plus significative de ma vie quotidienne. »
Le temps que j’ai passé dans la nature, ou avec des sujets naturels en studio, a apporté un aspect méditatif et centré à ma vie, qui a été extrêmement bénéfique pendant la pandémie. En outre, comme ma photographie est assez intuitive et expérimentale, je trouve que la signification sous-jacente de certaines images ne se révèle que lorsque je me plonge plus profondément dans la compréhension et l’interprétation de l’œuvre. En ce sens, la photographie est pour moi un moyen de découverte de soi et d’introspection.
Bien que je fasse de la photographie pour moi-même, l’une des plus grandes joies que j’éprouve est lorsque mon travail touche émotionnellement un spectateur, que ce soit d’une manière voulue ou non. Parfois, les spectateurs m’ont même confié que les images les avaient aidés à surmonter une expérience difficile d’une manière à laquelle je ne m’attendais pas.
« En ces temps d’isolement, le pouvoir de communiquer avec les autres par le biais d’images visuelles et de mots écrits a été extrêmement gratifiant et significatif pour moi. »
Vous êtes célèbre pour vos perspectives aériennes abstraites. Pourquoi avez-vous décidé de vous lancer dans la photographie de paysages ?
Lorsque je repense à mon enfance, je me rends compte que mon amour de la nature m’a été inculqué par mes parents. La maison de mon enfance était adossée à des terres boisées où nous jouions et explorions régulièrement.
Mes parents donnaient également la priorité au temps passé à l’extérieur, que ce soit en vacances pour explorer les célèbres paysages canadiens ou pour trouver des randonnées intéressantes dans les parcs provinciaux locaux.
En tant que jeune adulte, mes voyages me conduisaient également dans des pays lointains, toujours à la recherche de paysages et de cultures uniques. Une fois que je n’ai plus pu faire la course, je me suis plongée dans les voyages et la photographie, dans l’espoir de réaliser des images de manière plus habile et plus artistique.
Lors de mes premiers ateliers de photographie de paysage, j’ai eu la chance d’essayer la photographie aérienne et j’ai été immédiatement attirée par cette technique. J’étais attirée à la fois par l’exaltation de l’expérience et par la possibilité de voir le monde sous un angle nouveau.
« Mon esprit aime discerner des modèles à partir d’ensembles complexes d’informations. »
En étant dans les airs, je « vois » que les reliefs terrestres deviennent abstraits et s’assemblent en formes et en motifs, ce qui n’est possible que lorsque l’on voit la terre depuis le ciel. Il est intéressant de noter qu’une partie de cette reconnaissance des formes fonctionne à la fois à un niveau conscient et subconscient.
Dans les airs, alors que je compose toujours activement mes images, je dois travailler plus rapidement, en utilisant l’intuition qui puise dans mes expériences et références de vie.
Je pense qu’il y a une magie dans le subconscient et je suis toujours curieux, à l’examen, de voir ce à quoi j’ai répondu dans l’air.
Vous aimez l'interview de Carolyn ?
Vous aimez les images abstraites. Que pouvez-vous exprimer grâce à l'abstraction et que pouvez-vous y révéler ?
En tant qu’artiste, je suis très attirée par la notion surréaliste d’exploration du royaume entre la réalité et l’inconscient. Bien qu’il existe plusieurs façons d’exprimer ce royaume onirique, l’abstraction me semble appropriée, que ce soit par le biais d’images aériennes ou de mes expérimentations plus récentes en photographie noir et blanc avec les inversions et la solarisation.
Pour situer le contexte, les inversions renversent nos notions de lumière et d’obscurité et la solarisation transforme souvent une image pour créer des contours auréolés autour des objets et une lueur argentée éthérée à l’intérieur de ceux-ci pour nous transporter loin de notre réalité quotidienne.
Plus précisément, les images abstraites ont le pouvoir de communiquer des émotions. Lorsque je prends mes images aériennes, je ne les prends que lorsque j’ai une forte résonance émotionnelle avec le paysage. Souvent, quelque chose dans la géologie me renvoie à un motif, un symbole ou une métaphore qui a une signification pour moi.
En ce sens, les images abstraites permettent d’entrer dans le monde des concepts et des émotions au-delà de leur réalité physique. Au fur et à mesure que je progresse dans mon parcours de photographe, je constate que les images qui ont le plus d’impact sur moi sont celles qui provoquent une réaction émotionnelle. J’espère que mon travail contribue également à susciter une réponse émotionnelle chez les spectateurs.
« Les images abstraites permettent d’entrer dans le monde des concepts et des émotions au-delà de leur réalité physique »
Les images abstraites n’étant pas représentatives, elles seront interprétées et vécues différemment par chaque individu en fonction de son point de vue et de ses expériences de vie. Je suis toujours fascinée par ce que les autres voient et ressentent à travers l’œuvre.
En tant que telle, l’œuvre peut révéler beaucoup de choses sur moi en tant qu’artiste, mais il est intéressant de noter qu’elle peut également en révéler autant sur le spectateur, créant ainsi une opportunité d’apprentissage et de dialogue.
À travers vos photos, vous souhaitez " étudier les aspects du sublime féminin dans le monde naturel ". Pouvez-vous expliquer ce sublime féminin que vous recherchez ?
La définition traditionnelle du sublime a commencé avec Edmund Burke au 18ème siècle et a évolué au cours de l’histoire dans les écoles européennes et américaines. En substance, elle suggère que la vaste échelle de la nature inspire l’effroi et la terreur, et pris ensemble, évoque la divinité, l’irreprésentable et/ou la transcendance. Dans certaines représentations, elle fait allusion au besoin de l’humanité de dominer ou de conquérir sa terreur. Bien que certains de ces éléments soient contenus dans mon travail, celui-ci ne s’aligne pas totalement sur ce concept.
Le Sublime Féminin, quant à lui, se concentre plus exclusivement sur la dimension de l’irreprésentable ou de l’autre monde. Il ne cherche pas à maîtriser, s’approprier ou dominer l’autre, mais plutôt à idéaliser une coexistence avec la nature. Associée à la notion d’éco féminisme, elle s’éloigne d’une vision utilitaire de la nature entièrement basée sur la consommation.
Mon imagerie, lorsqu’on l’essentialise, montre des parties symbiotiques de la nature où l’on voit l’interaction de l’eau, du sable, du sel et des sédiments sous une forme très dynamique, où des motifs sont formés, dispersés puis régénérés.
Elle illustre les cycles fondamentaux du paysage dans son état naturel. Comme les images sont prises d’un point de vue aérien, les spectateurs ne peuvent pas toujours comprendre ou contextualiser immédiatement l’œuvre, qui peut donc sembler d’un autre monde.
C’est toujours une telle surprise et un tel plaisir pour moi lorsque les spectateurs réalisent que ce qui est photographié est simplement de l’eau, du sable, du sel ou de la terre. En ce sens, mon travail consiste à transformer des éléments ordinaires en images magnifiques et émouvantes qui nous donnent un sentiment d’étrangeté. Il modifie notre perception, d’une certaine manière, de ce qui existe et de ce qui est possible.
« Elle se concentre plutôt sur la symbiose entre l’humanité et la nature, qui nécessite le développement d’une relation durable. »
Comment trouvez-vous votre inspiration ?
L’inspiration, bien sûr, est partout autour de nous, mais pour ma photographie, je pense qu’il est juste de dire que je puise une grande partie de mon inspiration dans la nature.
Pendant la pandémie, j’ai essayé de rester active et connectée en faisant une promenade quotidienne. Au fil du temps, je me suis rendu compte que les promenades en forêt ou au bord d’un lac ont un effet calmant immédiat par rapport aux promenades dans les rues des villes. Le fait d’être dans la nature est non seulement apaisant, mais nous rappelle aussi que quelque chose de bien plus grand nous entoure. J’aime ce sentiment de crainte et de révérence et je cherche à partager mes expériences avec d’autres.
Plus précisément, j’aime rechercher des paysages qui sont très différents de ceux dans lesquels je suis habituellement immergée. En tant que photographe aérienne, je suis également attirée par les endroits où les éléments fondamentaux que sont l’eau, le sable, le sel et la terre sont dynamiques. Dans de tels environnements, nous ne voyons pas seulement les cycles naturels de l’environnement, mais aussi la façon dont les modèles changeants peuvent créer des gestes fugaces souvent capables de provoquer des réponses émotionnelles.
Plus récemment, j’ai commencé à m’intéresser à la photographie des paysages modifiés, car la perspective aérienne a une capacité unique à raconter l’histoire de notre impact sur le monde naturel.
Après avoir travaillé sur plusieurs séries de photographies de nature, vous avez produit la série Sublime Waste. Vous sublimez esthétiquement la terrible « trace » laissée par l’homme. La beauté de ces images nous transporte et crée une tension entre l’intellect et l’émotion.
Qu'essayez-vous de provoquer avec ces photos ?
Mon intérêt pour la photographie de terres altérées a évolué avec le temps. Au départ, j’hésitais à m’engager dans ce type de photographie, car j’estimais qu’il était important de disposer d’informations approfondies pour contextualiser de manière équilibrée les différents problèmes environnementaux, si je devais publier des images sur le sujet. Je savais qu’il serait difficile d’y parvenir sans avoir accès aux initiés de l’industrie minière et aux activistes environnementaux.
Par chance, le jour où j’ai pris les images pour Sublime Waste, nous nous trouvions dans une zone où les conditions d’éclairage étaient difficiles pour photographier une zone naturelle très délicate. Notre seule option pour la photographie était le paysage modifié. J’ai décidé de m’adapter et de faire un essai. Je n’ai pas publié ces images tant que je n’avais pas réussi à résoudre mes problèmes.
Cette interview vous inspire ?
J’ai eu une révélation lorsque j’ai vu la présentation d’une exposition intitulée Seeking the Periphery. L’exposition recherchait des images que l’on ne voit pas habituellement, mais qui existent plutôt en marge de notre société. Ce thème mettait en évidence le fait qu’en vivant en ville, nous sommes souvent éloignés et dissociés des moyens de production, et que nous pouvons donc ignorer involontairement les conséquences environnementales de notre consommation.
En mettant en lumière cet aspect de la condition humaine, il pourrait inviter à des conversations visant à sensibiliser à notre empreinte environnementale plutôt que d’exiger des réponses à l’équilibre parfait entre l’exploitation minière, l’économie et l’environnement.
Lorsque j’ai publié cette série pour la première fois, j’ai reçu ce commentaire d’un ami universitaire qui était ingénieur dans les mines d’or : « Carolyn, superbe photo du barrage de résidus. Elle me touche à plusieurs niveaux, et probablement à d’autres que tu n’avais pas nécessairement prévus, mais qui résonnent en moi en raison de l’époque où je construisais des barrages de résidus dans l’industrie minière aurifère. Jamais une photo n’a capturé mon conflit interne entre l’amour de la nature et mon besoin/compulsion de construire des infrastructures ».
Mon ami m’a écrit plus tard qu’après l’échec d’un projet, il a quitté son emploi et a commencé à travailler dans une entreprise à mission, tournée vers les sources d’énergie renouvelables.
Cette image l’a aidé à traiter les émotions qu’il avait traversées et cela m’a incroyablement touchée. J’ai mieux compris le pouvoir de ces images après les avoir diffusées et cela m’a encouragée à poursuivre de manière plus proactive cet aspect de ma photographie.
« Notre monde est confronté à des problèmes très graves avec des tensions qui existent entre les besoins et la consommation de l’homme, les ressources limitées, l’environnement et le changement climatique. »
Pourriez-vous nous donner une idée de l'équipement que vous utilisez pour photographier ces images étonnantes ?
Pour les prises de vue aériennes, j’ai généralement deux appareils photo, bien que ma configuration principale soit un Nikon D850 avec un Sigma Art 85mm. Environ 80 % et plus de mes photos sont prises avec cette combinaison d’appareil et d’objectif. Ma configuration secondaire était un Nikon D810 avec le Nikon 24-70 f2.8, que j’utilisais pour capturer des scènes plus larges. Récemment, je me suis convertie à une configuration sans miroir, donc à l’avenir, je serai heureuse d’utiliser le Nikon Z7II beaucoup plus léger comme ma configuration secondaire dans l’air !
Quel type d'édition faites-vous sur vos photos ?
Mon processus d’édition peut varier d’une image à l’autre. Pour certaines images, j’ai une idée immédiate de la manière dont l’image doit être traitée. D’autres nécessitent plus d’expérimentation et j’essaye plusieurs approches avant de décider comment donner vie à l’image. Une fois que j’ai une direction claire, je procède à la construction de la toile. Dans le cas d’une photo aérienne, par exemple, je peux transformer légèrement l’image pour obtenir une vue en plongée si elle a été photographiée avec un léger angle. Je vais également faire pivoter l’image et essayer différents cadrages pour trouver la composition qui résonne le plus.
Ensuite, j’ajusterai le contraste, je supprimerai les reflets de couleur et je ferai des effets de flou et de brûlure pour donner à l’image le flux visuel et la dimension supplémentaires nécessaires pour aider à déplacer l’œil du spectateur dans l’image. Une fois l’édition des images individuelles terminée, l’étape finale consiste à regrouper les images en un ensemble d’œuvres. La façon dont l’œuvre est séquencée a un impact significatif sur la façon dont le spectateur vit l’œuvre et peut déterminer s’il s’y engage du début à la fin.
Quels photographes et/ou artistes vous inspirent ?
Les photographes qui m’inspirent aujourd’hui sont Daniel Beltra pour sa défense de l’environnement par le biais de l’imagerie aérienne, Robert Mapplethorpe et Tom Baril pour leurs innovations dans le domaine de la photographie de natures mortes botaniques et Ori Gerscht pour son commentaire politique et social dans le cadre de ses natures mortes botaniques.
Au-delà de la photographie, j’ai toujours été attirée par les peintres post-impressionnistes et expressionnistes abstraits tels que Mark Rothko, dont l’œuvre minimaliste a toujours suscité de puissantes émotions ; Georgia O’Keeffe, dont les peintures florales abstraites intenses résonnent profondément ; et Giorgio Mirandi, dont les natures mortes abstraites de bouteilles m’ont inspirée le travail de nature morte.
Plus récemment, j’ai été fascinée par des artistes conceptuels comme James Turrell. Plutôt que d’utiliser la lumière pour créer de l’art comme le font la plupart des peintres et des photographes, son médium est la lumière elle-même. Comme il joue sur la lumière, il ne propose pas d’objet ou d’image à proprement parler. Son art remet en question la façon dont nous voyons et expérimentons la lumière ou, plus exactement, comment nous percevons. Les expériences qu’il crée pour les spectateurs sont généralement construites dans des bâtiments à grande échelle, des musées et, plus récemment, il a transformé un volcan éteint en un observatoire à l’œil nu ! L’ambition, l’échelle et la monumentalité de son travail laissent une impression indélébile et doivent être vécues pour être pleinement comprises. Voici une courte vidéo d’introduction à son travail si vous êtes intéressés.
C'est probablement un défi de combiner vos deux activités à un niveau aussi élevé. Pourriez-vous donner aux lecteurs quelques conseils sur la manière de gérer efficacement ces deux vies ?
Il est certain qu’il est difficile de gérer ma carrière en même temps que mes activités photographiques. Trouver le temps de mener de front ces deux activités demande des efforts et ne peut se faire que si, dans les deux cas, vous aimez ce que vous faites.
Comme j’ai une carrière distincte, je me suis donné la liberté de poursuivre mes activités photographiques de manière organique, en mettant l’accent sur l’apprentissage continu plutôt que sur la poursuite d’objectifs spécifiques dans des délais précis. Dans cette optique, voici quelques conseils pour les lecteurs qui se trouvent dans la même situation et qui essaient de gérer leur carrière et la photographie :
Premièrement, je dirais qu’il faut s’assurer que la photographie est quelque chose que vous aimez vraiment faire. Le vieil adage selon lequel faire ce que l’on aime n’a pas l’air d’un travail s’applique.
Deuxièmement, explorez vos intérêts pour la photographie et ne vous mettez pas la pression. Si vous sentez que vous voulez en faire plus, alors engagez-vous davantage.
Troisièmement, trouvez un mentor. En tant que personne disposant d’un temps plus limité, un mentor peut vous aider à accélérer votre croissance en tant que photographe plus rapidement. Prenez le temps de trouver un mentor car cette relation doit être confortable et naturelle pour qu’elle fonctionne bien.
Quatrièmement, définissez une progression pour vous-même qui soit réaliste pour rester motivé. Par exemple, dans le monde de la photographie de paysage, certains paysages sont beaucoup plus faciles à photographier et d’autres plus complexes. En allant vers des paysages plus faciles à photographier avant de progresser vers des zones plus complexes, vous ressentirez un sentiment d’accomplissement et de croissance qui vous donnera envie de continuer à apprendre.
Cinquièmement, à mesure que vous progressez et développez de réelles compétences, commencez à vous fixer des objectifs réalistes et réalisables axés sur le processus d’apprentissage et de croissance plutôt que sur les résultats. Par exemple, vous pouvez vous inscrire à certains programmes de récompenses, non pas pour gagner un prix, mais pour mesurer vos progrès. Certains programmes de récompenses proposent des critiques, un retour d’information et/ou un système de notation, qui sont autant d’éléments précieux pour votre apprentissage. Vous pouvez également comprendre vos progrès au fil du temps.
Sixièmement, établissez des relations et apprenez des autres. Comme dans tout secteur, ces relations sont extrêmement importantes pour l’apprentissage, la camaraderie et la création d’opportunités.
Septièmement, soyez curieux et continuez à essayer de nouvelles choses. Il y a toujours plus à apprendre et vous pouvez faire plus que vous ne le pensez. Le voyage d’un créatif n’est jamais terminé car nous en apprenons toujours plus sur nous-mêmes et sur ce que nous voulons exprimer !
*International Landscape Photographer of the Year Top 101 Book ainsi que la série Photo of the Week du National Geographic. Elle a également reçu des prix d’or, d’argent, de bronze et des mentions honorables dans le cadre des programmes PX3 et IPA Awards.
